Le Festival du film de Sundance 2025 est terminé, et bien que cette année ait rencontré quelques problèmes concernant l’accès virtuel pour quelques raisons malheureuses, j’ai quand même pu voir une poignée de films. Cette fois, l’application Roku fonctionnait correctement plus fréquemment, même si elle avait encore des limites. Plus important encore, mes efforts pour trouver des films qui laissaient une impression – le but ultime – ont conduit à ce reportage sur les films que j’ai vus et sur les longs métrages qui méritent d’être salués. Comme d’habitude, il s’agit d’une collection de longs métrages indépendants, de films internationaux et de premiers projets de nouvelles voix, dont quelques documentaires. Alors, c’est parti.
J’ai commencé par Sans jumeaux, qui a d’abord été traité comme un favori des festivals, remportant à la fois les éloges de la critique et le prix du public pour le long métrage dramatique américain, mais a ensuite été mêlé à la controverse. Cela s’explique par le fait que certains téléspectateurs du festival à distance ont divulgué des extraits du film sur TikTok, ce qui a conduit à ce que le film soit retiré du portail de visionnage en ligne. Honte à ces téléspectateurs, mais j’ai eu la chance de voir le film avant. Dans celui-ci, Dylan O’Brien stars avec réalisateur/scénariste James Sweeney comme deux hommes qui se lient d’amitié après s’être rencontrés dans un groupe de soutien pour jumeaux sans jumeaux.
En tant que comédie dramatique, l’idée est de voir Sweeny naviguer dans des sentiments de chagrin et de culpabilité dus à la façon dont l’histoire se forme autour de ces personnages. Le film est assez drôle, Sweeney montrant beaucoup de promesses en tant que cinéaste. Cela dit, O’Brien fait preuve d’une grande variété ici, suffisamment pour lui valoir un prix d’interprétation du festival. Compte tenu de tout ce qu’il doit englober à la fois en tant que l’un des personnages principaux et son propre jumeau, il y avait suffisamment de choses qui jouaient en sa faveur, sans parler des films, pour rendre les choses intéressantes tout au long du film.
En gardant à l’esprit le thème des comédies décalées, Bulles et grincement Du scénariste/réalisateur Evan Twohy semblait être l’un des films les plus en vue en ce qui concerne la disponibilité en ligne, compte tenu de la puissance des stars impliquée. Le film se concentre sur un jeune couple marié (Himesh Patel et Sarah Goldberg) qui ont fait un choix « économique » pour leur lune de miel en se rendant en Europe de l’Est. Cependant, ils sont maintenant en fuite pour avoir prétendument tenté de faire passer des choux en contrebande. Divers acteurs de soutien apparaissent, notamment Steven Yeun, Dave Franco porter un costume d’ours ; Matt Berry faisant une impression hilarante de Werner Herzog en tant qu’agent frontalier en chef.
Cela ressemble à la recette du succès, sauf que le film n’est pas si bon. Qu’il s’agisse de trouver le rythme ou de faire face à un scénario répétitif, l’excentricité affichée a fini par être dépassée par mes frustrations face au fait que le film ne s’intensifie pas assez, malgré quelques gags mémorables. Interprétée avec une sorte de livraison inefficace de lignes comme ce que Yorgos Lanthimos a accompli de manière supérieure, la stylisation accrue est appréciée mais pas assez pour m’avoir conquis.
Cependant, il s’en sort mieux, car un autre premier film en tant que réalisateur est Poisson-lune (et autres histoires sur le lac Green), du scénariste/réalisateur Fauconnier de la Sierra. Sans trop en faire pour mieux comprendre les prémisses de certains de ces films, j’ai été heureux de découvrir que ce film se joue comme un film d’anthologie sur le passage à l’âge adulte. Quatre histoires différentes sont présentées, mettant principalement en scène des acteurs de petit calibre et des inconnus, en se concentrant sur leurs activités pendant un été sur le lac Green à Traverse City, dans le Michigan. Chaque histoire se joue comme l’esquisse d’une intrigue secondaire d’un film plus vaste, mais elles sont néanmoins toutes touchantes. Le premier raconte l’histoire d’une jeune adolescente qui découvre la voile et allaite un bébé oiseau. Une autre se concentre sur un prodige du violon dans un camp d’été.
Ce sont de belles histoires, et ce que Falconer réussit à faire, c’est où mettre l’accent, qu’il s’agisse de la façon dont les scènes sont écrites ou de la façon dont la caméra fonctionne pour capturer ces moments. Compte tenu de la nature semi-autobiographique de la production, il est logique de voir un film se sentir si accompli dans son intention. Quoi qu’il en soit, les résultats sont plutôt bons.
Mêlant également réalité et fiction, nous avons À l’est du mur, un film que l’on ne peut s’empêcher de comparer à l’œuvre de Chloé Zhao (plus précisément Le cavalier), mais cela ne met guère ce film en territoire approximatif. Dans À l’est du mur, réalisateur/scénariste Kate Beecroft se concentre sur une tra à chevalINER nommé Tabatha Zimiga (dans son propre rôle). C’est une femme coriace avec un côté de la tête rasé, et un tas de tatouages et de piercings, ce qui est une façon de dire que cette femme a une histoire. Tabby traverse une période difficile, car elle est une jeune veuve qui s’occupe de ses enfants, des enfants du coin qui n’ont nulle part où aller et des chevaux qu’elle parvient à vendre sur TikTok (les images d’action des chevaux sont fantastiques).
Roy Waters (Scoot McNairy) entre en scène, voulant acheter toutes les terres de Tabby tout en lui permettant, à elle et à sa famille, de vivre et de travailler sur la propriété, ce qui ajoute de nouvelles complications à sa vie. Entre les bonnes performances de Tabby et de sa fille adolescente (Porshia Zimiga), ainsi que McNairy et un formidable Jennifer Ehle en tant que mère de Tabby, ce film sait vraiment comment atteindre un niveau d’authenticité qui l’éloigne du mélodrame indépendant standard. En plus de cela, Beecroft fait preuve de beaucoup de force dans ses capacités en tant que cinéaste à regarder, compte tenu de nombreuses séquences clés, à la fois intimes et larges, alors qu’on nous présente ces personnages dans leur plus vulnérable, ainsi que les badlands du Dakota du Sud. Je n’avais pas de favori clair de Sundance, mais c’est peut-être celui qui me convient le mieux.
Un autre film axé sur les luttes du Sud a été Omaha. Dans celui-ci, John Magaro joue le rôle d’un père qui emmène ses enfants dans un voyage en voiture à travers le pays jusqu’à Omaha après que leur maison ait été saisie. Bien qu’Omaha soit la destination, ce film se concentre principalement sur le voyage, ce qui permet au réalisateur Cole Webley Pour dépeindre les choses comme une sorte de tranche de vie, j’ai un regard sur ce que c’est que d’être un parent célibataire qui traverse des moments difficiles. Cela signifie qu’il faut observer les bons et les mauvais moments où papa a du mal à payer certains articles avec ses bons alimentaires et faire des choix difficiles. Pendant ce temps, les enfants s’agitent tout en essayant d’accepter ce qui se passe de leur point de vue et d’en tirer le meilleur parti.
Bien qu’assez bien assemblé, ma frustration face à la narration volontairement vague du film m’a empêché de l’adopter davantage. Savoir que le film retenait délibérément des informations pour me donner des indices sur certaines circonstances est un pari de la part du cinéaste. Bien que je puisse apprécier ce que Omaha visait finalement en termes de message, j’ai aussi eu l’impression que cela enfermait le film plus qu’il ne le devrait, m’enlevant toute chance de vouloir le revisiter plus tard.
Tout aussi frustrant était Ricky, un drame sur un jeune homme, Ricky (Stephan James), qui a été emprisonné à l’adolescence pendant une quinzaine d’années et qui est maintenant poussé à vivre une vie d’adulte dans le monde libre pour la première fois. Cela a tout pour un bien meilleur film. Alors que le réalisateur/co-scénariste Rashad Frett rassemble beaucoup d’éléments et de joueurs de soutien pour tirer le meilleur parti de certaines séquences clés, je n’ai pas pu m’empêcher de penser que le film ne fonctionnait que par à-coups. Sheryl Lee Ralph fait du bon travail en tant qu’agent de libération conditionnelle des immigrants compatissant. Titus Welliver est solide dans une intrigue secondaire qui semble provenir d’un autre film en tant qu’homme prêt à vendre une voiture à Ricky à un prix raisonnable et à l’aider s’il le peut.
Cela dit, le drame relationnel et les tentatives de placer le film dans une conversation plus large sur les troubles civils concernant les quartiers noirs et les officiers qui les surveillent conduisent à des intrigues qui étranglent le public. Ce n’est pas que la vie n’est pas aussi désordonnée ou que ces questions ne valent pas la peine d’être approfondies, mais Ricky Il suffit de faire beaucoup pour souligner les difficultés auxquelles notre leader est confronté. Au lieu de cela, empiler trop de problèmes sur certaines situations rend tout cela trop écrasant.
Un autre film qui semblait viser à en faire un peu trop, bien qu’il s’agisse d’une entrée plus forte et plus ambitieuse dans la programmation, était Atropie, lauréat du Grand Prix du Jury du festival. Alia Shawkat joue le rôle d’une actrice travaillant comme l’un des nombreux acteurs de fond d’une ville construite aux États-Unis pour représenter un village irakien dans le but des jeux de guerre et de la formation des membres des forces armées qui seront finalement déployés. Le film se déroule au début des années 2000 et le scénariste/réalisateur Hailey Gates tente d’équilibrer une satire axée sur les attitudes entourant la guerre au Moyen-Orient avec les tensions de la tentative de trouver la célébrité.
Callum Turner, Jane Levy, Tim Heideckeret Channing Tatum font partie desétoiles, et tout cela devrait s’additionner pour en faire plus. Le problème se résume à un sentiment de non-engagement sur ce qu’il veut accomplir. Sans grand objectif en tête, au-delà de trouver des commentaires sur l’époque et de demander à Shawkat de chercher une fin à ce purgatoire d’actrice dans lequel elle s’est retrouvée, Atropie finit par trop serpenter pour son propre bien. Pourtant, c’est généralement bien joué, et contrairement à beaucoup de choses que j’ai vues auparavant, cela lui donne un peu d’avance à cet égard.
Un film qui, selon moi, aurait dû recevoir plus de récompenses, mais je peux au moins accepter d’avoir été choisi par A24 comme une consolation appropriée. Désolé, bébé. Écrit et réalisé par la star Eva Victor, ce film veut détailler une situation horrible d’une manière que Victor juge tout à fait appropriée – une tragicomédie. Sans trop entrer dans les détails, Agnes, interprétée par Victor, commence le film en tant qu’étudiante diplômée cherchant à devenir professeure d’université. Les situations impliquant un enseignant réorientent les choses pour elle, nous laissant avec Agnès qui vit ses années d’une manière qui lui est propre. Cela peut sembler un peu évident, mais il y a un ton et un sens de l’humour ajoutés aux scènes tout au long du film, ce qui permet au film de se décharger du drame qui s’est produit.
Cela signifie également passer du temps avec Naomi Ackie en tant que meilleure amie d’Agnès, Haies Lucas en tant que voisine d’Agnès avec qui elle aime avoir des relations sexuelles occasionnelles, et John Carroll Lynch dans un petit rôle d’homme qui sait aider au bon moment. Ce n’est pas vraiment un film avec de grands moments spectaculaires, l’histoire se limite au travail sur les personnages, à quelques lieux, à une comédie maladroite et à beaucoup d’expérience de la vie dans l’écriture. C’est terriblement fait.
Si Désolé, bébé et À l’est du mur font partie de mes coups de cœur du festival, alors Amour, Brooklyn complète mon top trois. Ce film, du réalisateur Rachael Abigail Holder, se concentre sur trois Brooklynnites noirs pris dans un triangle amoureux déséquilibré. Le Roger est un journaliste facile à vivre qui est toujours ami avec son ex-petite amie Casey (Nicole Beharie). Roger sort actuellement avec Nicole (DeWanda Wise), artiste et mère d’une jeune fille. C’est un film charmant qui ne présente pas de vrais méchants ou d’obstacles significatifs. Au lieu de cela, il s’agit des gens, de l’incertitude à laquelle ils sont confrontés et de ce que c’est que de comprendre ce que l’on veut dans la vie.
L’action se déroulant à Brooklyn, l’accent est également mis sur la rapidité avec laquelle la gentrification se produit, en changeant ce qui était spécial à propos de cet endroit et en mettant les personnages plus en contact avec ce qui est toujours là. D’une certaine manière, cela en dit long sur la nature d’un film comme celui-ci. Dans les années 90 et 2000, nous recevions régulièrement des histoires noires de la part de grands studios, sans qu’il soit nécessaire de les transformer en drames de gangsters ou en un regard sur la douleur sévère des Noirs basée sur la brutalité policière ou la vie en prison. Aujourd’hui, un film comme Amour, Brooklyn vient à peine de se mettre en place et ouvrira en tant qu’indie. Au-delà du fait que le public passe plus de temps à chercher des films comme celui-ci, les solutions ne sont pas évidentes. En attendant, profitez de cette histoire romantique bien intentionnée avec des performances exceptionnelles.
Il y a d’autres films que j’ai pu voir et apprécier. Figues de Barbarie est un drame romantique indien queer intéressant sur deux amis d’enfance qui se reconnectent. Il a remporté le Grand Prix du Jury du Cinéma du Monde. DJ Ahmet est une belle histoire de passage à l’âge adulte sur un enfant vivant dans une région rurale de Macédoine du Nord qui veut devenir DJ. Il équilibre la nature unique de l’environnement d’Ahmet avec des éléments qui plaisent à la foule. Il y a aussi le documentaire Middletown, qui se concentre sur un enseignant et ses élèves enquêtant sur les décharges toxiques et d’autres problèmes dans leur ville de la banlieue de New York. C’est un peu long mais assez convaincant, et venant des esprits derrière le formidable État des filles et État des garçons.
Je n’ai réussi à voir qu’un nombre limité de films en ligne chaque année depuis que Sundance a commencé, ouvrant le festival à beaucoup plus de films dans le monde entier. Cela dit, il y a toujours de beaux joyaux à regarder, et j’espère surtout que les films seront choisis par des studios prêts à soutenir les rêves de cinéastes indépendants qui réalisent un travail de qualité. Je suis juste heureux d’avoir la chance d’en regarder quelques-uns.
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