Je suppose qu’il était inévitable de voir un biopic musical sur la vie de Bob Dylan. En même temps, je n’ai pas pu m’empêcher de penser que l’annonce initiale était quelque peu redondante. Non pas que je voulais rejeter catégoriquement l’idée d’un biopic plus traditionnel, mais entre le documentaire de Martin Scorsese de 2005 Pas de direction à la maison et la biographie expérimentale de Todd Haynes en 2007 Je n’y suis pas, qui détaillent tellement les personnages de Dylan et ses évolutions en tant que musicien, je me suis demandé comment le dernier opus d’un sous-genre aléatoire pouvait aborder quelque chose d’une manière tout aussi engageante. Puits Un parfait inconnu n’est pas tout à fait séparé des pièges de ce genre de films. Cependant, le directeur James Mangold, qui a précédemment dirigé Marcher sur la ligne, parmi d’autres films historiques et à succès, met l’accent sur la représentation de Dylan dans son film. S’appuyant sur ses interprètes bien castés et une grande quantité de musique, ce biopic parle bien des manières rugueuses et tapageuses de Dylan.
S’accordant d’emblée avec le titre, le film s’ouvre en 1961, avec un Bob Dylan de 19 ans non célèbre (Timothée Chalamet) arrivant à New York de nulle part. Il avait entendu son héros, Woody Guthrie (Scoot McNairy), a eu un accident vasculaire cérébral, et Bob a voulu lui rendre visite et lui jouer une chanson. Il accomplit cette tâche en rencontrant le pilier de la musique folk et activiste Pete Seeger (Edward Norton), qui se prend immédiatement d’affection pour Bob. Peu de temps après, Bob se produit sur scène et rencontre des chanteuses comme Joan Baez (Monica Barbaro), entre autres. Il développe ensuite une carrière de chanteur folk à sa manière, nouant finalement une relation avec Elle Fanning Sylvie Russo (remplacée par Suze Rotolo en réalité), une artiste qui n’arrive pas à comprendre la nature impénétrable de Bob. Ce mystère a des effets plus larges alors que Bob s’intéresse à la façon dont les temps changent, et à son style musical avec elle, générant une controverse parmi ceux dont il est le plus proche.
N’ayant pas trop approfondi le plan prévu pour ce film en ce qui concerne la durée qu’il durerait, il m’a fallu un peu de temps pour comprendre ce qu’il visait. Adapté du livre de 2015 « Dylan Goes Electric ! » d’Elijah Wald, les co-scénaristes Mangold et Jay Cocks ont choisi un arc pour Dylan qui se développerait vers le Newport Folk Festival de 1965, où la controverse a surgi de l’utilisation d’instruments électriques. Même en tant que fan occasionnel de Dylan, j’ai trouvé que c’était un peu de temps approprié à couvrir, car c’est un reflet significatif de l’évolution de la scène musicale de l’époque et du genre de changements majeurs que Bob Dylan, le musicien, allait faire dans sa position de l’un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus en vue des années 20ième siècle. Il s’agit alors de savoir comment un film peut transmettre ces émotions contradictoires tout en incorporant tout ce qui se passait autour de Dylan à ce moment-là.
Par rapport à quelque chose comme Rhapsodie bohème, aussi imparfait que j’aie trouvé ce film, il pouvait s’appuyer sur la nature musicale de juke-box de sa bande-son pour guider un public avec peu d’ambiguïté sur ce qui se passe (même s’il est extrêmement inexact ou réducteur). Lance-roquettes était un film plus substantiel grâce à quelques idées imaginatives pour amplifier les numéros musicaux et animer l’approche de sa narration à la manière d’un garde-fou. Un parfait inconnu n’arrive pas avec la même bande-son énergique (on parle ici principalement de musique folklorique), mais le film passe rarement plus de cinq minutes sans une chanson. Cependant, bien que linéaire sur le plan narratif, la chronologie comprimée permet de comprendre une période spécifique en mettant davantage l’accent sur la situation.
Pas présenté d’une manière aussi cynique (et sombrement comique) que celle des frères Coen À l’intérieur de Llewyn Davis, Un parfait inconnu présente une scène folklorique chaleureuse du village de New York qui nous permet d’apprécier Dylan dans la nature. S’amuse-t-il à ses débuts en tant qu’artiste ? Fait-il cela juste pour satisfaire Seeger ? Ou pour impressionner Jeanne ? Tout cela fait-il partie d’un grand plan pour aller de l’avant d’une manière dont il n’est pas sûr pour le moment ? Bien qu’il n’ait jamais été fermé sur l’actualité de certaines de ses musiques, Dylan a été considéré comme une énigme pendant une grande partie de sa carrière. Du point de vue de ce film, il n’a aucune envie de dire à qui que ce soit d’où il vients de et semble rarement savoir où il va. Cela le rend difficile à gérer, surtout quand il est écrasé, mais le film n’applaudit pas sa rusticité. Oui, c’est avant tout un film qui vénère Dylan en termes de choix d’aller de l’avant, mais ses ambitions ont un coût qui affecte les autres.
Exprimant toute cette attitude distante, Chalamet est assez formidable ici. À la fois en jouant des instruments et en chantant les chansons (avec tous les autres acteurs, comme s’il s’agissait du dernier film montrant à quel point il est plus accompli d’être manipulé de cette manière), il fait ressortir sa propre vision de Dylan avec succès. Obtenir une performance qui parle à son interprétation au lieu d’une simple imitation signifie regarder un acteur qui veut vous montrer à quoi cela ressemble de voir les roues tourner dans sa tête alors qu’il réfléchit à son prochain mouvement. Être si inconnaissable est le défi que Mangold a présenté à Chalamet, et il réussit avec aplomb et sonne bien aussi.
Le point de vue de Norton sur Pete Seeger a également été couronné de succès. Voir Norton être aussi bon dans un film est un vrai plaisir. Le caractère folklorique inhérent au personnage permet facilement au public de se sentir attiré par son comportement agréable. Étant donné l’évolution de l’attitude de Bob, ce n’est qu’avec le temps que l’on peut comprendre certaines frustrations qui s’accumulent en lui. Cela dit, la relation partagée entre lui et Bob permet à Norton et Chalamet de faire une partie de leur meilleur travail ensemble, donnant au film un centre plus fort ici par rapport aux épreuves des relations féminines de Bob.
Dans cet esprit, Monica Barbaro est sur le point de percer sur la base de son travail ici. Bien sûr, elle est une présence notable dans l’énorme blockbuster qui est Top Gun : Maverick, mais en tant que Joan Baez, elle passe beaucoup de temps à la laisser s’occuper de Bob, exprimer sa propre opinion, et toujours considérer la musique comme ce qui compte plus que tout. Baez est certainement une personne franche à part entière. Je n’arrive pas à imaginer ce qu’elle ressent sur cette prise d’elle (il y a beaucoup de Barbaro qui tourne la tête vers Bob en signe d’admiration). Pourtant, lorsque le film se concentre sur la façon dont elle joue dans les différents événements décrits, un bon travail est fait pour l’aider à se démarquer.
Fanning peut être à l’extrémité inférieure par rapport aux autres étoiles. Ce n’est pas dû à un manque d’effort mais à son positionnement. Dans le but de la mettre à l’abri d’un mauvais comportement de la part de Bob, Sylvie est obligée d’être triste ou bouleversée pendant une grande partie du film que cela bouleverse l’équilibre de ce qu’elle a vraiment à offrir (assez pour que je puisse deviner pourquoi le nom a été changé). Cependant, les expressions de Fanning permettent à de nombreuses scènes de briller, comme celle où une performance musicale lui donne des indices sur ce que Bob ressent pour elle, sans qu’il soit nécessaire de dire d’autres mots.
Mangold, en compagnon réalisateur qu’il est, s’équipe bien en ouvrant cette toile juste assez large pour raconter l’histoire nécessaire, même avec certaines des limitations que cela crée en ce qui concerne les personnages secondaires. Cela dit, avec un casting talentueux (qui comprend également un jeu Boyd Holbrook s’amuser dans le rôle d’un Johnny Cash presque ivre), il tire le meilleur parti de son budget de production. Il s’agit d’un film de 140 minutes, et ce temps est bien utilisé pour montrer les lieux, les décors et les costumes. C’est un autre cas où je n’essaie pas d’avoir l’impression de faire partie d’une décennie pendant laquelle je n’étais pas en vie, mais je peux être d’accord avec la façon dont ce film a choisi de le visualiser, et cela fonctionne à son avantage grâce à des choses comme la superbe photographie de Phedon Papamichael.
En plus de tout cela, le son est phénoménal sur cette photo. Comme indiqué, de nombreuses performances sont présentées tout au long de ce film. Bien qu’ils ne soient peut-être pas aussi pop-friendly que d’autres musiciens avec des biopics, il y a une vraie force à entendre certaines des musiques de Dylan se réunir en studio ou sur scène. Trouver des moyens de souligner le départ dramatique causé par le passage à l’électrique dans le point culminant du film fonctionne très bien pour un long métrage sur grand écran. Et il y a tellement d’harmonica à assimiler pour faire bonne mesure, offrant une prise distincte pour n’importe quel canal de haut-parleur central.
Pour faire un biopic sur Bob Dylan, il faut réfléchir à ce qu’il y a à faire pour célébrer l’homme dans une certaine mesure, ainsi qu’informer un public sur l’importance de son héritage. Naturellement, la nature déroutante de la raison pour laquelle Dylan a fait les choix qu’il a faits signifie qu’une vision dramatisée de sa vie en suivant un chemin plus favorable aux studios n’accomplira pas grand-chose. Cela dit, Mangold a une sensibilité suffisamment forte en tant que réalisateur pour livrer quelque chose d’acceptable mais étudié lorsqu’il creuse là où c’est nécessaire et transmet autrement une bonne idée de l’époque et du lieu dépeints. Qu’il s’agisse ou non d’une prise déterminante, Uneconnu J’ai toujours l’impression qu’il a été manipulé avec soin.
Un parfait inconnu sort en salles le 25 décembre 2024.
