Qu’est-ce que cela signifie de construire quelque chose ? Je suppose qu’il y a une métaphore évidente en jeu avec Le brutalisme, un drame historique épique centré sur un architecte qui a eu l’opportunité de faire une nouvelle vie dans l’Amérique de l’après-guerre et de poursuivre son travail de constructeur. Cependant, le film va plus loin que cela. Doté d’une autonomie de trois heures et demie, le réalisateur Brady Corbet a déployé suffisamment d’efforts pour livrer l’un des films les plus captivants de l’année. Il le fait par le biais de techniques à l’ancienne, telles que le tournage sur VistaVision, ainsi que la subversion de la forme cinématographique à l’occasion pour mieux mettre l’accent sur ce qui se passe avec ces performances, sans parler de tant d’autres éléments trouvés dans ce film. Les résultats sont magnifiques. Bien que cela puisse sembler intimidant, cette expérience cinématographique défile si l’on considère la grande toile sur laquelle ce film a été placé pour raconter une puissante histoire d’immigrants.
Adrien Brody joue le rôle de László Tóth, un architecte juif hongrois qui a survécu à l’Holocauste et a réussi à émigrer en Amérique, laissant derrière lui sa femme (Felicity Jones) et sa nièce (Raffey Cassidy) dans la foulée. László se rend à Philadelphie pour rester chez un cousin, Attila (Alessandro Nivola), alors qu’il cherchait du travail. Au cours d’un travail où László est en mesure de montrer ses compétences considérables, il rencontre un riche industriel, Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), qui finit par décider que László serait la personne idéale pour un projet en l’honneur de la défunte mère de Harrison.
Le film est divisé en deux parties et un épilogue. Les copies 70 mm de ce film intègrent un entracte de quinze minutes qui arrive au moment le plus parfait possible dans ce film. C’est une qualité notable du film car elle témoigne du niveau expert de l’artisanat exposé. Quel que soit le budget, le sujet ou le genre, un bon film est aussi long qu’il doit l’être, et bien qu’il soit sans aucun doute ambitieux, la structure de ce long métrage est magistrale. Bien qu’elle n’ait pas été conçue pour avoir les intrigues les plus profondes, la Le brutalisme Construire à des points qui permettent une sortie est bien pensé pour un film avec des divisions distinctes.
Le monteur Dávid Jancsó fait en sorte que le film apaise le public de manière appropriée sur la façon dont le temps se déplace tout au long de cette histoire et sur la tension croissante qu’il peut y avoir, ce qui signifie recevoir un film qui ne se sent jamais coincé dans ce qu’il essaie d’accomplir. Après avoir vu des longs métrages plus courts et à budget beaucoup plus élevé qui semblent interminables dans leurs efforts pour se justifier, ce genre de réalisation lucide montre à quel point on peut être efficace en matière de rythme, de rythme et de perspective que le temps d’exécution devient un non-facteur.
Pour ne pas être en reste par le mouvement de ce film, le look Le brutalisme est incroyable. Lol Crawley a la tâche pas si simple de prendre une production à petit budget et de faire ce qui est nécessaire pour recréer l’Amérique des années 1940/50, en superposant la compréhension thématique de la façon dont un architecte brutaliste voit le monde. Le choix de VistaVision (qui revient essentiellement à filmer horizontalement en 35 mm) permet une visualisation formidable de l’architecture que l’on voit. En même temps, comme il ne s’agit pas du genre d’épopée qui jette des personnages dans la bataille, dans de vastes déserts ou sur des navires plus grands que nature, le public est plutôt censé observer la vie de quelques personnages à un niveau très intime. Nous ne perdons jamais de vue László, et pourtant il est toujours important de voir l’Amérique dans laquelle il s’est retrouvé, que ce soit dans les rues froides, les intérieurs chaleureux des riches ou les niveaux modestes des différents endroits où il réside.
Toutefois Le brutalisme ne tarde pas à réaliser l’œuvre de László. À travers des choix de conception de production spectaculaires, des effets visuels minimaux et d’autres choix pour créer un niveau d’authenticité concernant ce qui fascine ces personnages, c’est une grande joie de voir un aperçu précoce de ce dont cet homme est capable, sans parler du potentiel de la ligne directrice principale du film. En nous laissant avoir une idée des conceptions de László, il y a une anticipation de ce qui va arriver, mais regarder le film lier les émotions de ce qui arrive à ces personnages avec les différentes étapes de la construction en dit long sur la façon dont cette production s’est avérée élaborée.
Personnifiant ces émotions, ce casting formidable dirigé par un Adrien Brody jamais meilleur. Lauréat d’un Oscar à un jeune âge et s’étant aventuré dans de nombreuses directions différentes tout au long de sa carrière, le concentré BroDy met en avant ici car László est assez magnifique. Nous observons un homme traverser des cycles qui parlent à quelqu’un qui a survécu à une douleur immense mais qui est loin d’être prêt à explorer le coût psychologique qu’elle a pris. Au lieu de cela, il saisit l’occasion de se reconnecter à sa passion, en permettant à son génie et à ses défauts de s’exprimer. Certains l’adoptent pour ses réalisations, d’autres sont rebutés par ses idées. Le travail de Brody aide à toutes ces réponses, et il brille.
Pearce est un personnage plus spectaculaire par nature, du genre de personne qu’est Harrison. Cet homme est un homme fanfaron mais qui a réussi, avec un œil clair pour le talent, que cela lui rapporte ou non de l’argent dans le processus. Harrison est très direct, exprimant ce qu’il ressent fort et souvent, reculant rarement, mais pas au-delà de l’humilité dans une certaine mesure. C’est fascinant, car il y a une compréhension qu’il deviendra absolument la personne contre laquelle nous nous enracinons si nous sommes positionnés pour ressentir cela. Pourtant, vous espérez qu’il voit le plus grand bien dans ses actions, jusqu’à un certain point, et que vous voulez que ce lien entre lui et László s’épanouisse idéalement pour le mieux.
D’autres acteurs de soutien brillent également, y compris l’un de mes habitués préférés de Jim Jarmusch, Isaach de Bankolé, en tant que meilleur ami de László, Raffey Cassidy en tant que nièce initialement muette de László, et Joe Alwyn et Stacy Martin en tant qu’enfants jumeaux d’Harrison (avec des personnalités opposées). Cependant, ce n’est peut-être pas une surprise, mais j’ai été assez impressionné par le travail de Felicity Jones dans le rôle d’Erzsébet, la femme de László, qui arrive dans la seconde moitié du film. Étant donné le poids que nous avons déjà de l’étendue de l’œuvre de László et de la relation qu’il entretient avec Harrison, il faut enfin une certaine gravité pour que le public ressente les morceaux avec ce qui a été mis en place. Jones livre la marchandise.
Ayant également survécu à des épreuves presque impossibles à imaginer, le fait que Jones soit également capable de transmettre un personnage qui semble absolument faire partie de la vie de László, et pourtant nous savons aussi qu’Erzsébet est entièrement sa propre personne, montre la force de la façon dont ces personnages sont développés. Les voir évoluer au fil des années couvertes par leur histoire ensemble signifie également voir comment les deux s’adaptent à être en Amérique et voir des versions de ce rêve entrer en jeu de manière intrigante, réussie et angoissante. Et ce n’est pas pour rien, mais pour un film qui a sa part de personnages argumentatifs, la façon dont Jones se défend contre certaines personnes, compte tenu de l’état dans lequel se trouve son personnage, permet une compréhension encore plus formidable de la façon dont le montage, le blocage et le travail de la caméra peuvent faire beaucoup pour des scènes d’un drame aussi intime que celui-ci présenté sur un si grand écran.
Tout ce que je pourrais dire d’autre sur Le brutalisme montre simplement à quel point le film s’est bien assemblé dans son ensemble. Cela inclut des aspects tels que la façon dont le rôle du judaïsme de László informe chaque personnage d’une manière ou d’une autre. Il y a aussi l’énorme partition du film par Daniel Blumberg, qui crée des thèmes récurrents auxquels se référer tout au long du film. La conception des costumes met en évidence les différences observées entre ces personnages. Et beaucoup d’autres choix de réalisation jouent dans ce que le réalisateur/co-scénariste Corbet et la co-scénariste Mona Fastvold ont cherché à accomplir dans un film qui présente une telle immensité. En prenant tout cela, vous voyez vraiment le sentiment de grandeur qui entre en ligne de compte dans d’autres œuvres épiques qui ont vu le jour au cours des différentes décennies. Cela peut également signifier qu’il ne vise jamais trop de complexité narrative, mais cela est plus que contré par un véritable regard sur l’humanité, explorée au maximum dans l’une des visions vraiment audacieuses et étonnantes de 2024.
Le brutalisme sort dans certains cinémas le 20 décembre et s’étend plus largement le 24 janvier 2025.
