Il y a un privilège particulier à modérer les panels FYC — vous ne regardez pas seulement des films, vous êtes assis en face de ceux qui les ont rendus possibles. Quand j’ai modéré le Jeune femme prometteuse panel pour Focus Features, Emerald Fennell n’était pas dans la pièce. Quoi était Dans la salle se trouvait l’équipe de sous-ligne qui avait réalisé sa vision — et à travers leur travail et la façon dont ils en parlaient, j’ai immédiatement compris que celui qui avait rassemblé ces collaborateurs et leur avait fait confiance aussi totalement était un réalisateur digne d’être vu. Ce panel, qui fait partie de la série Behind The Slate Screening d’Ingle Dodd, est disponible à visionner ici : https://thescl.com/exclusives/behind-the-slate-promising-young-woman/ — et cela capture exactement ce qui a rendu cette introduction si mémorable. Deux films plus tard — avec des budgets et une ambition accrues — « Les Hauts de Hurlevent » confirme l’engagement de Fennell à faire évoluer ses ressources avec l’artisanat. C’est une œuvre audacieuse, viscérale et souvent époustouflante d’une réalisatrice qui sait exactement ce qu’elle veut et qui a réuni l’équipe pour le livrer.
Soyons clairs sur ce qu’est ce film et ce qu’il n’est pas. Ce n’est clairement pas une adaptation fidèle du roman d’Emily Brontë, et Fennell l’a elle-même dit — les guillemets autour du titre font un véritable travail structurel. C’est elle Version de Les Hauts de Hurlevent, filtré à travers l’expérience émotionnelle de sa lecture adolescente : tout obsession, fatalité et sentiment opératique, sans ironie adulte. Le résultat est quelque chose de véritablement singulier — un rêve fiévreux gothique où Heathcliff et Cathy existent comme des forces de la nature plutôt que comme des personnages au sens conventionnel, deux systèmes météorologiques s’entrechoquant jusqu’à ce que l’un d’eux se rompe. Les spectateurs arrivant en s’attendant à l’ampleur générationnelle du roman et à la rage de classe pourraient se retrouver à se recalibrer. Ceux qui se rendent à la logique interne de Fennell y trouveront l’une des expériences cinématographiques les plus enivrantes de l’année.
Ce qui est hors de discussion, c’est l’artisanat, et il est extraordinaire de fond en comble.
Le directeur de la photographie Linus Sandgren, de retour de Saltburn, livre certains des travaux les plus expressifs et formellement rigoureux de sa carrière déjà décorée d’un Oscar. Tourné principalement en 35 mm — avec VistaVision utilisé pour les plans de paysage où de petites figures doivent rester lisibles à contre-courant — Sandgren et Fennell ont développé un principe directeur à noter : il faut pouvoir mettre en pause n’importe quelle image et comprendre ce qu’un personnage ressent rien qu’à la composition. Quand le chagrin arrive, le ciel devient rouge sang. Thrushcross Grange existe au printemps perpétuel jusqu’à ce qu’elle ne le fasse plus. Les Yorkshire Moors créent le brouillard non pas comme une atmosphère mais comme une météo émotionnelle. C’est la couleur comme psychologie des personnages, la lumière comme monologue intérieur, et cela représente l’une des narrations visuelles les plus soutenues que vous verrez dans un film de studio cette année.
Chef décoratrice Suzie Davies — Nominée aux Oscars pour Conclave et collaboratrice de Fennell depuis Saltburn — construit un univers d’inconfort architectural délibéré qui récompense une attention attentive. La cuisine des Hauts de Hurlevent a été construite d’un pouce plus basse que la silhouette de Jacob Elordi, qui mesure 1,98 m, un détail qui ne s’enregistre jamais consciemment mais qui crée un malaise persistant. L’escalier en marbre blanc avec une fourrure rouge qui cascade sous son dessous est le genre d’image à laquelle vous penserez encore des jours plus tard. La philosophie de Davies — la précision du ressenti plutôt que la précision de l’époque — est exactement la bonne idée pour ce matériel, et elle l’exécute avec la confiance de quelqu’un qui comprend que la grande décoration n’est jamais qu’une simple décoration.
La costumière Jacqueline Durran, qui a habillé Robbie en incarnation littérale d’un idéal plastique dans Barbie, inverse complètement cette mission ici, créant des vêtements à la fois référentiels à l’époque et chargés d’émotion. La robe de mariée est un véritable décor. Tout au long de ce film, Barbie, et sa carrière plus large, Durran continue de construire l’un des corpus d’œuvres les plus polyvalents actuellement actifs dans l’industrie, et ses contributions ici comptent parmi les plus indélébiles du film.
Anthony Willis, une âme authentique et un père de nouveau-né, livre une autre partition brillante — sa troisième collaboration avec Fennell après Jeune femme prometteuse et Saltburn — qui danse dans un tango avec l’album compagnon de Charli XCX plutôt que sur un WI concurrentC’est ça. Le travail orchestral de Willis s’appuie sur des cordes amples et des changements tonaux sombres qui reflètent les landes elles-mêmes, tandis que XCX apporte des influences de rock gothique et de dark wave néoclassique, notamment sur le morceau d’ouverture industriel « House » avec le musicien gallois John Cale, et sur le poignant « Chains of Love ». L’utilisation répétée de la ballade folk « Dark Eyed Sailor » d’Olivia Chaney qui traverse le film est l’un des choix musicaux les plus discrètement touchants de l’année. Le fait que le film conserve sa cohérence tonale à travers tout le film est un véritable accomplissement, et le mérite revient tout autant à la monteuse Victoria Boydell qu’à l’équipe sonore, qui naviguent entre l’orchestration classique de Willis et l’architecture pop moderne de XCX avec plus de grâce que le concept ne le suggère.
Quant aux performances — Margot Robbie et Jacob Elordi font exactement ce que Fennell leur demande, et ils le font magnifiquement. Voici Robbie à son apogée, totalement engagée dans une version de Cathy égoïste, magnétique et vraiment dangereuse à côtoyer. Elordi, qui aurait envisagé de quitter l’industrie avant que ce rôle ne le trouve, rappelle pourquoi il est l’un des acteurs les plus regardables aujourd’hui — il y a une échelle physique et émotionnelle dans son Heathcliff que le film mérite plutôt que de simplement supposer. Nelly, incarnée par Hong Chau, est l’ancre morale du film, et elle le rend sans effort. Owen Cooper — tout juste sorti de sa prestation remportant un Emmy Adolescence — est brièvement et brûlante dans le rôle du jeune Heathcliff, suggérant une crudité et une précision qui annoncent qu’il sera une présence importante dans cette industrie pendant longtemps.
Le consensus critique est de 59 % sur Rotten Tomatoes et de 55 sur Metacritic, et ces chiffres reflètent une véritable division entre deux expériences de visionnage valides plutôt qu’un échec du film lui-même. Le CinemaScore de « B » du public du week-end d’ouverture suit un film qui promet une chose et offre quelque chose de plus étrange et plus engagé. Ce n’est pas un défaut — c’est un cinéaste avec un point de vue, ce qui est plus rare que ce que nous souhaiterions.
« Les Hauts de Hurlevent » est un rare film de studio où le travail en mode « under-theline » ne soutient pas la vision — elle est La vision. Ayant découvert la réalisation d’Emerald Fennell grâce à cela Jeune femme prometteuse En observant l’équipe qu’elle a constituée et l’échelle à laquelle ils opèrent désormais, c’est exactement la trajectoire que vous espériez. Les landes sont magnifiques, l’obsession paraît réelle, et l’art est impeccable. C’est un film réalisé par des gens qui tiennent profondément à chaque image — et cela se voit.
