Tour d’horizon des critiques du NBFF 2025 : Springsteen, Christy, Hedda, enfants adultes et plus encore !

De retour pour ses 26^ième année, le Newport Beach Film Festival Arrivé avec de grands films et un temps magnifique. Sa programmation d’octobre était remplie de prétendants potentiels aux prix, ainsi que leur mélange régulier de courts métrages, de documentaires, de longs métrages pour la jeunesse et de films et documentaires sur les sports d’action. Les articles suivants pour Springsteen : Délivre-moi de nulle part, Christy, Hedda, Enfants adultes, À la fin, et Mauvaise coupe de cheveux.

L’année dernière, Searchlight Pictures a livré le meilleur que prévu Un parfait inconnu, un drame d’époque centré sur un moment charnière de la vie de Bob Dylan. Pour le biopic musical de cette année, le grand frère de Searchlight, 20^ième Century Studios, sort Springsteen : Délivre-moi de nulle part, une chronique dramatique de la réalisation de l’album Nebraska de Bruce Springsteen en 1982. C’était l’époque où Springsteen luttait visiblement le plus contre la dépression, la pression de la superstar et les sentiments non résolus concernant son passé. C’est beaucoup de matériel qui serait généralement couvert dans la seconde moitié d’un biopic standard, mais le scénariste/réalisateur Scott Cooper (Cœur fou, Hostiles) concentre plutôt l’ensemble du film sur ce moment.

D’un côté, cela devrait être admirable. Les biopics qui s’éloignent d’une représentation plus standard de leur sujet ont tendance à isoler quelque chose de plus intéressant et à comprendre comment créer un film de manière appropriée. Malheureusement, cela ne fonctionne pas tout à fait pour celui-ci. Bien que bien joué (je trouve que Cooper est un réalisateur qui est excellent pour obtenir un excellent travail de ses interprètes, malgré d’autres domaines dans lesquels il n’est pas à la hauteur), je n’ai pas ressenti assez de motivation pour que cette partie de la vie de Springsteen vaille la peine d’y consacrer deux heures. Sans beaucoup de flair de mise en scène, un surplus d’introspection, et seulement pas grand-chose à glaner en termes de performances musicales et de création musicale, le film m’a laissé sur ma faim.

Jeremy Allen Blanc est bien dans le rôle de Bruce. Compte tenu de la période de temps que nous examinons, bien sûr, bien que White ne ressemble pas beaucoup à Springsteen, nous semblons voir un accord pour obtenir le gars de L’ours serait le plus logique, car il n’y aurait pas beaucoup de sourire ou de joie. Nous avons également Jeremy Strong dans le rôle de Jon Landau, le manager et producteur de disques de Bruce. La façon dont Strong se rapporte à Bruce tout en jouant avec ses cheveux soigneusement formés me fait penser : « D’accord, Strong a encore une fois fait ses devoirs pour ressembler exactement à ce gars. »

Honnêtement, la meilleure performance est Stephen Graham dans le rôle du père de Bruce, Douglas Springsteen, comme si chacun de ces biopics ne pouvait réussir que grâce à une solide performance de mauvais père. Quoi qu’il en soit, filmés en noir et blanc, ces flashbacks du jeune Bruce sont les plus intéressants du film, présentant l’homme difficile et abusif avec lequel Bruce a dû faire face – et avec lequel il est toujours confronté quand il est plus âgé, bien que Douglas ait ralenti. Un bon casting de soutien complète les autres rôles attendus, y compris une petite amie, un producteur de disques, un ami proche, et plus encore. Filmé par le directeur de la photographie habituel de Cooper, Masanobu Takayangi, il y a clairement un effort à faire dans cette production. J’aimerais juste ne pas me sentir aussi alourdi par une partie limitée de l’histoire du Boss.

Sommaire

Christy

En parlant de biopics sombres, les thèmes concernant les familles difficiles ont été repris dans ce biopic sportif engageant, bien que familier, centré sur l’ancienne boxeuse professionnelle Christy Martin, jouée ici par une très impliquée Sydney Sweeney. Franche sur le fait d’accepter certains projets pour soutenir les productions qui lui tiennent vraiment à cœur, Sweeney montre combien d’efforts elle a mis pour jouer les boxeuses les plus connues des États-Unis dans les années 90. Entre le gain de poids et de muscle, les choix de coiffure et l’attitude générale, cela semble être le meilleur effort de Sweeney en tant que femme principale potentielle.

Même sans être familier avec les histoires et les luttes de Christy Martin, le réalisateur et co-scénariste David Michod (Le règne animal, le rover) ne s’écarte pas de ce à quoi s’attendre. Nous avons une idée de l’origine de Christy et la voyons trouver le succès malgré les obstacles qui s’accumulent contre elle. Dans le processus, en raison de son éducation conservatrice, Christy doit rester à l’écart du fait qu’elle est queer. Cela conduit à son mariage désastreux avec son coach/manager, James V. Martin (Ben Foster). Je déteste avoir à dire à quel point Foster est génial dans ce rôle, à cause de combien le personnage est méprisable, mais c’est vraiment une excellente vitrine pour la menace silencieuse qu’il construit lentement au fil du temps.

Parmi les autres points forts, citons Katy O’Brian en tant que boxeur rival, des représentations des différents combats qui expliquent pourquoi Christy était une combattante si puissante, et le drame entourant quelqu’un qui a tant de succès sur le ring mais qui a toujours des difficultés financières. En tant qu’histoire de boxe, il est facile de s’énerver sur la façon dont les circonstances de ces personnages peuvent changer, mais cela n’enlève rien à un film qui ne peut aller que jusqu’à un certain point. Oui, nous voyons beaucoup de détails sales qui proviennent des expériences de Christy, mais à 135 minutes, le film semblait encore un peu mince dans son exploration des raisons profondes derrière certaines des actions, se contentant plutôt d’émotions superficielles. Oui, il y a une grande performance ici, et je dirais finalement que ce match en vaut la peine. J’aimerais juste le mélanger davantage entre les coups de poing.

Hedda

S’orientant vers une arène entièrement différente du cinéma (tout en conservant les éléments queer), voici une nouvelle adaptation de la pièce de théâtre d’Henrik Ibsen de 1891, « Hedda Gabler », qui réinvente certains aspects par le biais de la dynamique raciale et de genre, avec une fin différente, du moins c’est ce qu’on m’a dit. Non, je ne suis pas très familier avec le matériel source, mais cela n’arrête pas le réalisateur Nia DaCosta (Petites voix, Homme de bonbons) de livrer un film d’époque follement divertissant axé sur la vie désordonnée des mondains et sur la façon dont la manipulation ne fait que remuer davantage la marmite.

Tessa Thompson joue le rôle de la jeune mariée Hedda Tesman (anciennement Hedda Gabler), qui organise un dîner qui mène à toutes sortes de discussions sous la table et à des améliorations de triangles amoureux, qui finissent par aboutir à quelqu’un qui se fait tirer dessus. Tout cela est fait au nom d’un ton sombrement comique, par opposition à un ton tragique, ce qui joue en faveur du film. C’est un film qui se déroule sur une longue journée, et le temps que nous passons avec Hedda témoigne de la grande performance qu’est Thompson, alors que nous voyons toute une gamme d’émotions la traverser au cours de ces 24 heures.

Avec une myriade de personnages et de grandes performances pour les accompagner, y compris un fort Nina Hoss en tant qu’ancien amant et un Kathryn Hunter En tant que tante qui dit ce qu’elle pense, cela ne fait pas de mal de voir autant d’excellent travail accompli en termes de production et de conception des costumes. De plus, le fait de permettre à ces éléments de se fondre dans les éléments sociaux du film, certains beaucoup plus subtils (la race) que d’autres, témoigne du genre de travail que DaCosta a clairement fait en tant que cinéaste cherchant à trouver les bonnes façons d’incorporer des idées plus larges sans avoir à jeter un filet géant autour d’elles lorsqu’elles se présentent. Et même avec tout cela dit, il y a assez d’esprit sarcastique ici pour Hedda Juste une montre amusante, quoi qu’il arrive.

Enfants adultes

C’est l’une de ces comédies dramatiques familiales probablement enracinées dans une certaine vérité de la part de l’écrivain, où vous espérez que tout se met en place à la fin ou est au moins assez drôle, parce que le casting est si fort. Dans ce cas, le film est solide, en grande partie grâce au casting et au scénario solide d’Annika Marks. Directeur Rich Newey a livré un portrait intéressant de l’âge adulte à travers un personnage en passe de devenir plus adulte, et les résultats sont assez solides.

Ella Rubin joue le rôle de Morgan, incarnant l’aspect de passage à l’âge adulte du film. C’est une jeune fille de 17 ans protégée qui essaie d’en savoir assez à l’approche de l’université. Du côté de la famille dysfonctionnelle, elle a ses demi-frères et sœurs beaucoup plus âgés – Lisa (Betsy Brandt), Dahlia (Aya Cash) et Josh (Thomas Sadoski) – vivant soudainement avec elle. Cela est dû au fait que Josh est aux aguets au cas où il essaierait de se faire du mal, ce qui informerait généralement où le drame entre en jeu. Cependant, ce film a plus de mouvements qu’on ne pourrait s’y attendre.

Oui, certaines inévitables impliquent que les personnages se réunissent et se lient d’une manière spécifique, mais un public devrait vouloir ces choses. Ce qui compte le plus, c’est le travail accompli pour développer ces personnages, et Enfants adultes fait un travail merveilleux pour combler ce qui est nécessaire grâce aux capacités des acteurs, à leur alchimie et à certains choix de réalisation qui améliorent à la fois la comédie et le drame tout au long du film. Rubin et Cash se sentent comme des vedettes ici, le film se penchant à la fois sur leur expérience et leur inexpérience de la vie, ce qui lui permet de couvrir un éventail de sentiments. Il y a plus à louer, Mais il y a vraiment beaucoup de choses à apprécier pour le public ici.

À la fin

C’était intéressant de voir ce film se dérouler, car je ne savais littéralement rien à son sujet, à part qu’il jouait Tim Blake Nelson et Mireille Enos. La nature des festivals de cinéma implique souvent de rencontrer des situations comme celle-ci. Je le note parce que On the End est inspiré d’une histoire vraie sur un mécanicien basé à Montauk qui a affronté des snobs nouvellement riches essayant de le forcer à quitter sa maison. Cela dit, la première partie du film ressemble plus à une comédie romantique maladroite, se concentrant sur une paire d’étrangers avec une grande alchimie.

Directeur Ari Selinger veut vraiment nous vendre à la fois la pureté et le cœur qui découlent de cette relation, tout en poussant fort sur les indices émotionnels alors que le film se dirige vers un territoire dramatique concernant les aspects peu recommandables de la gentrification et la confrontation judiciaire qui s’ensuit. Je dirais que certains des personnages du côté antagoniste, joués par Anna Chlumsky, James Badge Dale, et Glenn Fleshler, sont presque caricaturalement exagérés, mais je regarde le genre de personnes qui dirigent le pays ces jours-ci et je me tais. Quoi qu’il en soit, le film veut faire un spectacle d’une histoire modeste, et cela ne fait qu’aider qu’il vend l’émotion qu’elle évoque.

Plus important encore, Nelson et Enos sont excellents ici. Malgré les actions importantes qu’ils semblent prendre pour façonner leur vie, il y a toujours une nature discrète dans les performances qui est appréciée. En plus de cela, même les moments de monologue fonctionnent bien en raison de la façon dont ce film vend les circonstances, et parce que certains des meilleurs acteurs de caractère savent comment écraser des scènes qui parlent soit de l’amour qu’ils partagent, soit des vérités sur ce qui se passe dans leur vie, soit simplement de livrer des plaisanteries idiotes. Il y a une vérité qui vient avec ce qui s’est passé dans cette histoire, mais honnête ou non, À la fin c’est de frapper aux bons endroits.

Mauvaise coupe de cheveux

J’étais très heureux d’assister à un thriller au NBFF, et Mauvaise coupe de cheveux était un spectacle sauvage à voir. Cela étant dit, il faut un peu de temps pour démarrer. Le film se déroule peut-être à l’époque moderne, mais il s’appuie sur une configuration qui semble tirée d’un certain nombre de films de lycée boiteux des années 80 sur un geek qui a besoin de faire ce qu’il peut pour repousser le jock et enfin parler à des filles avec confiance. D’accord, tout cela est exacerbé, donc c’est loin d’être mauvais, mais la vraie joie vient de l’accroche principale du film – un barbier excentrique, Mick (Frankie Ray), qui révèle de nombreuses couches, dont certaines montrent les signes d’une personne très déséquilibrée.

Ray est le genre d’acteur de caractère avec la taille et le visage d’un lourd, et il a donc constamment joué ces durs à cuire, voyous, gardes, etc. Réalisateur/scénariste Kyle Misak donne à Ray la chance de briller vraiment. Bien que la nature du film suggère que quelque chose d’horrible nous attend avec lui, il a toujours l’occasion de se pencher sur un comportement excentrique à la fois intimidant et bizarre. De la façon dont il est habillé à la façon dont il s’adresse à différentes personnes (en plus de dire à ses clients qu’il les aime et de les faire dis-le en retour), j’ai pris un grand plaisir à regarder ce personnage à l’œuvre.

Malheureusement, ce film est un peu trop long, car il est très préoccupé par la présence d’éléments enveloppants autour de l’introduction du film. Spencer Harrison Levin, pour s’assurer que nous comprenons le message amusant sur la façon dont divers films des années 80 rapportent également des choses. Encore une fois, c’est bien compte tenu de la nature de l’humour, mais plus le film s’éloigne de la coupe de cheveux, plus je passe de temps à espérer revenir à ces moments de folie.